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Sem perder chances

2011-08-26T06:48:00.000-07:00

Paula Penachio e Marcelo Gomes
Foto: Willian Aguiar |Divulgação São Paulo Cia de Dança

Paula Penachio não perde chances na vida, no caso dela, na dança. Apesar de não ter o físico ideal para o balé clássico, ela usa suas qualidades para ser ideal na cena. Não por acaso é a partner de Marcelo Gomes em Tchaikovsky pas de deux (1960), de George Balanchine, na apresentação deste fim de semana da São Paulo Companhia de Dança, no Teatro Alfa. Quer saber mais? Na Revista de Dança

Dança em família

2011-08-21T15:09:00.000-07:00

Aracy e Guivalde de Almeida, mãe e filho, estão à frente da Especial Academia de Ballet. Neste fim de semana, comemoram os 40 anos da escola com talentos que já passaram por lá. Na Revista de Dança, Guivalde, que agora cuida da escola paulistana, nos conta seu olhar sobre ensinar dança no Brasil. Não percam!

Deus está nos detalhes

2011-08-10T10:06:00.001-07:00

Marcelo Gomes, bailarino brasileiro, estrela do American Ballet Theatre, dança no Brasil no fim do mês com a São Paulo Companhia de Dança. Ele é bonito em cena e bonito pessoalmente. O mais importante: é também delicado, dedicado e gentil com quem trabalha e nos ensaios. Quer saber um pouco mais? Veja na Revista de Dança.

Marcelo Gomes em ensaio na SPCD.
Foto: divulgação | SPCD

Mar sem fim do Grupo Corpo

2011-08-03T13:02:00.000-07:00

O Grupo Corpo estreia novo trabalho, no Teatro Alfa, em São Paulo, Sem mim, coreografia inspirada nas canções do Ciclo do Mar de Vigo, de Martín Codax, do século XIII – testamento e sobreviventes da tradição da região na época, o trovadorismo nas chamadas “canções de amigo”.
O coreógrafo Rodrigo Pederneiras usa destas cantigas líricas o movimento de quem se debruça sob o mar, o que ele traz, o que leva, o que é saudade e violência. Saiba mais na Revista de Dança.

Sem mim, Grupo Corpo.
Foto: José Luiz Pederneiras

Jovens bailarinos

2011-07-22T16:38:00.000-07:00

Daniela Cardim, bailarina e coreógrafa brasileira, conta sobre seu olhar em jovens talentos no Festival de Joinville. Veja também uma entrevista com o diretor do Festival, Ely Diniz. Tudo na Revista de Dança.

Balé da Cidade de São Paulo

2011-07-07T15:16:00.000-07:00

De volta ao Teatro Municipal de São Paulo, o Balé da Cidade apresenta seu segundo programa este ano. Duas estreias, Nos outros, da diretora Lara Pinheiro, e Cidade incerta, do português André Mesquita. A noite se completa com Divineia (2001), de Jorge Garcia, ex-bailarino da companhia.
Um elenco renovado, versátil, com capacidade e energia para muitos papéis. Vale a pena assistí-los. Para saber mais, uma matéria na Revista de Dança.

Nos outros, de Lara Pinheiro
Foto: Sylvia Masini | Divulgação

Bailarinos e cidadãos

2011-06-13T16:14:00.000-07:00

Patrícia Otto é professora da Escola de Dança do Teatro Guaíra há cerca de 20 anos. Foi lá também que se formou. Seu desejo de uma formação completa, fez com que buscasse outras fontes para auxiliar seus alunos. Ela não quer apenas bailarinos, quer cidadãos. Corajosa, jovem e competente, ela é a professora entrevistada da Revista de Dança na série de formadores no Brasil. Vale a pena ler o que ela tem para contar!

Patrícia Otto, professora da Escola de Dança do Teatro Guaíra
Foto: acervo da artista

Fred Astaire

2011-06-03T11:28:00.000-07:00

Para encerrar o mês do sapateado, fiz um comentário sobre o bailarino americano Fred Astaire e sua magia em cena. Na Revista de Dança. Veja lá.

Manoel Francisco e a arte de ser múltiplo

2011-05-31T14:59:00.000-07:00

Com proporções para o balé clássico, Manoel Francisco foi "descoberto" por professores em Curitiba. Apaixonou-se pela dança, dedicou-se como profissional desde muito cedo. Viveu e vive da dança, ou melhor, da arte. Hoje ele é o primeiro e único artista dirigido por Nana Caymmi no show Toma um trago e lava o coração e é professor de clássico no Theatro Municipal do Rio de Janeiro. Quer conhecê-lo melhor? Veja a matéria na Revista de Dança.

Manoel Francisco no camarim. Foto: acervo do artista

O musical entre nós

2011-05-27T18:11:00.000-07:00

Kika Sampaio fez história na dança no Brasil com persistência. É diretora e professora da Kika Tap Center e também coreógrafa. Desde 1988, atua em musicais. Tem uma bela história para contar que você pode ler na Revista de Dança.

Kika Sampaio | Foto: acervo da artista

Crítica American Ballet Theatre

2011-05-19T11:38:00.000-07:00

De Nova York, Marcela Benvegnu analisa a apresentação de Dom Quixote, na versão do American Ballet Theatre, com a argentina Paloma Herrera e o cubano José Manuel Carreño nos papéis de Kitri e Basilio. Ela também observa que o elenco não acompanha a beleza dos solistas. Uma noite de gala, acompanhada pela Revista de Dança.

Alegria da dança

2011-05-19T09:30:00.000-07:00

Carolina Amares, atualmente bailarina do Grupo Corpo, responde lindamente a uma pergunta sobre alegria de dançar. Na Revista de Dança.

Comentários sobre Paraíso Perdido

2011-05-14T17:40:00.000-07:00

Esta semana, na Revista de Dança, comentários sobre a primeira coreografia do ano do Balé da Cidade de São Paulo, Paraíso Perdido, do grego Andonis Foniadakis. No link, você pode ver a crítica completa.

Olhar a dança

2011-05-11T11:16:00.000-07:00

Os fotógrafos de dança nos concedem a beleza da dança em instantes que, muitas vezes, os olhos deixam escapar. João Caldas, um dos grandes nomes da fotografia de dança no Brasil, conta na matéria para a Revista de Dança sobre olhar a dança através das lentes, seus desafios e histórias com a dança. Vale a pena.

Cena de Clara Crocodilo,
um dos marcos na carreira do fotógrafo

A dança em 3D

2011-05-10T07:45:00.000-07:00

Na Revista de Dança, Marcela Benvegnu narra sua experiência de ver Giselle (1841), de Jules Perrot (1810-1892) e Jean Coralli (1779-1854), com música de Adolphe Adam (1803-1856) e libreto de Théophile Gautier (1811-1872), em 3D no cinema, com os bailarinos do Companhia do Teatro Mariinsky, tendo como solistas Natalia Osipova e Leonid Sarafanov e direção artística de Valery Gergiev.

Natalia Osipova | Divulgação

Balé da Cidade de São Paulo

2011-05-04T19:06:00.000-07:00

Na Revista de Dança, uma matéria sobre a estreia do Balé da Cidade de São Paulo, Paraíso Perdido, de Andonis Foniadakis. A diretora Lara Pinheiro fala dos limites físicos e artísticos para os bailarinos nesta criação.

Antes, a sala de aula

2011-05-02T11:46:00.000-07:00

Ricardo Scheir | Foto Amir Sfair Filho

Há algum tempo, estou pensando em uma série sobre professores e formadores no Brasil. Por trás da cena, eles ajudam a delinear a dança e, quase sempre, imperceptíveis ao público. Entrevistei Ricardo Scheir, do Pavilhão D, de São Paulo, para o Revista de Dança (http://www.revistadedanca.blogspot.com/) e, confesso, entrar neste universo é fascinante. O olhar agudo, com disposição para compartilhar conhecimentos, expor qualidades, tratar de defeitos, tudo isso faz parte de um dia a dia intenso, mas também prazeroso. Vale a pena ler a entrevista!

Mayara Magri

2011-04-29T09:58:00.000-07:00

Na Revista de Dança um texto de Marcela Benvegnu sobre a bailarina Mayara Magri, a bailarina brasileira que tem encantado plateias com sua técnica e graça. Ela tem 17 anos e ganhou bolsa do Royal Ballet, em Londres, para seguir carreira. Saiba isso e mais no link acima.

Mayara no Prix de Lausanne, em fevereiro
variação de Coppelia | Divulgação Prix

Velho sonho

2011-04-26T11:34:00.000-07:00

Na semana do Dia Internacional da Dança, que é comemorado dia 29 de abril, consegui transformar um antigo plano em ação, a Revista de Dança (http://www.revistadedanca.blogspot.com/) está no ar. Para começar, uma matéria com fotógrafos de dança, uma entrevista com Li Cuxin, autor de Adeus, China - O Último Bailarino de Mao, e muitas outras ideiais.
Vão lá!

Novidades

2011-04-08T15:47:00.000-07:00

Em breve, muitas notícias sobre dança. Estou trabalhando e coloco no ar daqui a pouco.

Bailarinos

2011-03-25T08:22:00.000-07:00

Alguns bailarinos me fazem vibrar antes da hora. Estou curiosa (e ansiosa) para ver meus queridos bailarinos da São Paulo Companhia de Dança. A temporada começa amanhã e não consegui ver ensaios ou fazer entrevistas. Mas não poderia deixar de dizer que estou torcendo imensamente, que meu coração está sempre perto. Eles são incríveis.

Minha "mexicana" favorita Renata Bardazzi em Inquieto. Foto: Silvia Machado

Para quem ainda não sabe, a estreia da nova temporada acontece amanhã, no Sesc Pinheiros, com Theme and Variations (1947), de George Balanchine, Legend (1972), de John Cranko, com remontagem de Richard Cragun, e Inquieto (2011), coreografia inédita de Henrique Rodovalho.

Casal incrível, Ed Louzardo e Paula Penachio, em Legend. Foto: Silvia Machado

Mais comentários depois da estreia. Na próxima semana também vou participar dos programas educativos e de formação de plateia paralelos.

Mais informações: saopaulocompanhiadedanca.art.br

São Paulo Companhia de Dança no SESC Pinheiros

Dias 26 e 27 | Sábado, às 21h, e domingo, às 18h
Dias 31 de março e 1, 2 e 3 de abril | Quinta a sábado, às 21h, e domingo, às 18h
Rua Paes Leme, 195 – Pinheiros
Os ingressos custam R$ 15; R$ 7,50 (usuários matriculados, idosos com mais de 60 anos, estudantes com carteirinha, professores da rede pública, usuários MIS); R$ 5 (trabalhador do comércio e serviços matriculado).

Angel Vianna

2011-03-25T07:42:00.000-07:00

Eu a conheci pessoalmente ano passado, por conta do documentário Figuras da Dança, projeto da São Paulo Companhia de Dança, em sua homenagem. Já a tinha visto no palco, mas essa aproximação me deu outra dimensão. Minha admiração profissional também se tornou admiração pessoal.

Angel Vianna é agitada e curiosa; mais importante, tem generosidade com quem está ao seu lado. Até hoje se interessa em saber mais pelo corpo, sua ferramenta de vida e de trabalho. Conseguiu, contrariando todas as burocracias, abrir uma Escola e Faculdade de Dança no Brasil, no Rio de Janeiro, que leva seu nome. Em grande medida, a dança contemporânea da cidade deve muito à sua atuação, não são poucos os nomes que passaram por suas aulas.

Outra parte de seus alunos atua em áreas da saúde, como hospitais e clínicas de recuperação motora. Há outros que só querem ter o prazer de fazer uma aula da Angel e eles têm o privilégio de conhecer um pouco mais sobre movimentos, sentimentos e respeito aos desafios pessoais. O teatro brasileiro também é devedor de sua inteligência e disposição para encontrar meios de expressão do corpo. Na década de 1970, fez da preparação corporal um caminho de comunicação e influenciou toda uma geração.

Aos 82 anos, 62 de carreira, Angel Vianna volta à cena e divide o palco com Maria Alice Poppe, sua ex-aluna, em coreografia de João Saldanha. O espetáculo Qualquer coisa a gente muda será apresentado em São Paulo, em curta temporada no Sesc Belenzinho. Nesse diálogo entre gerações da dança, elas encontram um modo de unir sensibilidade e memória, cada uma a seu modo.

Angel Vianna tem papel fundamental na história da dança no Brasil e vale a pena ver de perto o que tem a dizer.

Informações:

A capacidade do Teatro do SESC Belenzinho é de 392 lugares. Porém, este espetáculo se inicia com um prólogo de 8 minutos, limitado a 150 pessoas. O acesso ao teatro acontecerá 20 minutos antes para as 150 primeiras pessoas, por ordem de chegada. Depois de terminado esse pequeno prólogo, o público geral poderá acessar o teatro para o início do espetáculo. Local: Teatro Duração: 45minutos

R$ 24,00; R$ 12,00 (usuário matriculado, a partir de 60 anos e estudantes). R$ 6,00 (trabalhador no comércio e serviços matriculado e dependentes, a partir de 60 anos e estudantes). Dia(s) 25/03, 26/03, 27/03 Sexta e sábado, às 21h e domingo às 18h.

A vida em companhia

2011-03-14T07:59:00.000-07:00

Ainda não vi Cisne Negro, de Darren Aronofsky, com Natalie Portman. Mesmo assim, pelo que li, o filme me fez pensar em alguns pontos da vida de bailarino. Um deles, os testes quase diários a que são submetidos, as audições, a escolha de elenco, o desejo de dançar sempre. Como se escolhe um ou outro para um determinado papel?

Durante os dois anos que trabalhei na São Paulo Companhia de Dança, acompanhei mais de perto o dia a dia dos bailarinos e, entre aulas e ensaios, me envolvi pessoalmente com suas histórias, suas emoções, suas alegrias. Nesse tempo, passei por duas audições. Era uma expectativa receber currículos, vídeos e fotos de estudantes ou profissionais tentando uma vaga. Esta apresentação virtual selecionava os que poderiam vir para a segunda fase. A competição é dura e tem um pouco de sorte do momento: dependendo do ano, precisa-se de um tipo específico de bailarino, mais alto, mais baixo, mais homens ou mais mulheres.

Da lista de centenas, apenas 60, em média, chegavam para as provas na Companhia, 30 homens e 30 mulheres. Algumas etapas, aula de balé clássico, aula de moderno, sequências do repertório. A cada uma, novos cortes. No fim, apenas cerca de 10 são selecionados. Era uma alegria ver os que ficavam. A sensação de conquista é gratificante.

Nielson Souza. Foto: Silvia Machado

Contudo, é apenas o primeiro passo. A grande prova está por vir. Quando chegam às aulas e aos ensaios iniciais, a provação é bem maior. Eles começam a ser comparados aos outros profissionais que estão há mais tempo no grupo. Ganhar um papel especial, ser primeiro elenco, ter chances de mostrar seu talento são questões que fazem parte da profissão. Estão sozinhos e geralmente começam a carreira aos 18, 19 anos. Claro que nem sempre há o peso da personagem de Natalie Portman, mas é preciso uma inteligência diferente, que transita entre a perfeição técnica e o entendimento de cada um para carga de informações de professores, ensaiadores e coreógrafos.

Como se destacar em um meio no qual todos querem mostrar o melhor? Márcia Haydée, a grande bailarina brasileira, conta que, quando teve sua primeira chance profissional, no Balé do Marquês de Cuevas, ainda no corpo de baile, aprendeu todos os papéis, do conjunto aos solos. Foi assim que uma noite em Paris, quando as quatro solistas ficaram doentes, ela teve a chance de dançar um papel solo. Recebeu uma promoção em seguida. Não parou mais.

Gostaria e tive a permissão de falar de dois casos, que vi pessoalmente e são cada vez mais lindos no palco: Juliano Toscano, de Santa Catarina, e Nielson Souza, da Bahia. Os dois entraram na São Paulo na temporada de 2010. O que me chamou atenção desde o princípio foi: os convidados que entravam na sala de ensaio – e não são poucos – sempre perguntavam: quem são? Como eram aspirantes, não tinham grandes destaques, mas começaram a trabalhar rápido.

Nielson me disse sobre o primeiro dia de aula: "O primeiro dia de aula foi assustador, até porque tudo que é novo assusta de alguma forma. Sempre tive contato com muitos bailarinos de todos os gêneros, raças e desenvolvimento técnico. Mas,quando entrei na SPCD, fiquei intimidado pelo nível altíssimo do elenco e a forma como a dança estava presente na vida de cada um. Foi desafiador. Cada dia, cada aula, cada ensaio. Acredito que, como tantos outros, foi mais um degrau que tive que subir."

Juliano tem perfil mais clássico, Nielson, veia mais contemporânea. Mas os dois transitam entre as linguagens propostas pela Companhia. Cada um ao seu modo, o que vi foi uma incansável dedicação de ambos, sem muito alarde, sem falar demais. Eles aprenderam tudo o que podiam e, em menos de dois meses, estrearam em papéis de coreografias do repertório. E foram crescendo, se destacando. “Quando entrei, pensei, tenho que aprender tudo o que me pedirem. Isso me ajudou porque, a qualquer momento, poderia ser escalado para dançar e tive a oportunidade de mostrar meu trabalho muito rápido. Foi muito bom para mim dentro da Companhia”, me contou Juliano.

Juliano Toscano. Foto: Silvia Machado

Driblaram suas dificuldades, aquele mal-estar de iniciar uma carreira (mesmo quem não é bailarino já deve ter sentido isso) e, agora, em 2011 estão no primeiro elenco em diferentes coreografias da Primeira Temporada da Companhia, que acontece no fim do mês (falo disso muito em breve): Juliano em Theme and Variations, também ensaia Tchaikosky Pas de Deux (que eu ainda não vi com ele), ambas de George Balanchine. Nielson dança Theme and Variations e Inquieto (estreia), de Rodovalho.

Pergunto sobre como conseguir se destacar em uma situação como a deles. “Acho difícil falar em destaque, ainda mais quando olho para o lado e vejo os bailarinos que tenho à minha volta. Sempre fui muito tímido e observador. Consigo absorver e extrair tudo que possa ser proveitoso para minha vida, e com a dança não é diferente. Quando cheguei, me perguntava se estava no lugar certo, se tinha condições de estar ali. Sempre fui muito autocrítico. Os primeiros meses serviram para me firmar como parte de tudo aquilo, ou melhor, me sentir parte de tudo aquilo. Depois foi bem mais fácil, só precisava fazer umas das coisas que mais amo na minha vida. E, pode soar meio piegas, mas tudo que a gente faz com amor, é incrivelmente bom!”, fala Nielson.

O que quero dizer é, longe dos cenários, figurinos e maquiagem, a sedução da dança é no esforço sem holofotes do cotidiano, com energia e disposição. Nem sempre o mais talentoso segue em frente, sem se dedicar, sem se envolver diariamente com a dança. Não é tarefa para amadores, mesmo eles sendo, na grande maioria, tão novos. Por isso, minha admiração pelos dois bailarinos citados aqui.

Só no blablablá

2011-03-14T06:43:00.000-07:00

Para nossa sorte, Samuel Kavalerski resolveu dançar mais um pouco. Ele é ótimo bailarino (sabe a medida entre seu deslocamento, sua intensidade e, claro, sua técnica), também é lindo. Está no elenco de Inquieto, coreografia de Henrique Rodovalho para a São Paulo Companhia de Dança com estreia dia 26 de março, no Sesc Pinheiro, em são Paulo. Muito importante, é meu amigo e foi meu professor!!!!!!!

Samuel Kavalerski e Renata Bardazzi no pas de deux de Gnawa. Foto: João Caldas

Dois prá lá, um prá cá

2011-03-09T18:50:00.000-08:00

Um passo, a dança. Uma dança, o passo.

Em Pas de danse (http://www.sintomnizado.com.br/pasdedanse.html), projeto do bailarino Samuel Kavalerski, o movimento aparece com o deslizar do mouse, no estreito espaço entre duas figuras, e depende da velocidade e vontade de quem está observando. A sequência e a ligação dos 11 pas nos levam a questionamentos bem-humorados e inteligentes da dança, no projeto que começou há alguns anos, mas que ainda inquieta. Para sempre plié?, nos deparamos em algum momento.

Pas de danse tem a tradução literal como “passo de dança”, mas “pas”, em francês, também é advérbio de negação. Nesse caso, teríamos “não dança” ou “sem dança”. Samuel joga nessa linha delicada entre a dança e sua falta; entre humano e intermediações eletrônicas.

Samuel Kavalerski é bailarino. E inquieto. Passou pela Balé do Teatro Guaíra, pela Quasar Cia de Dança, de Goiânia, e pensou em parar de dançar. A decisão estava tomada, mudou-se para Paris. Ficou sabendo da audição para a São Paulo Companhia de Dança e resolveu dançar mais um pouco.

A seguir, uma pequena entrevista sobre o projeto em que dança e internet se apresentam em um diálogo possível.

Gostaria que contasse um pouco como surgiu o projeto

Já há um tempo eu trabalhava com um programa de animação e criação de web sites chamado Flash. No meu trabalho de conclusão do curso de Artes Visuais eu desenvolvi uma animação interativa, chamada O Corpo do Príncipe (www.sintomnizado.com.br/ocorpodoprincipe.html). Ali, a dança era o tema do meu trabalho. Eu usava a linguagem da internet e a sua principal especificidade, a interação, para falar de dança e de um dos estereótipos do balé clássico.

Depois desse trabalho, eu sempre fiquei imaginando como eu poderia criar algo que fosse tanto um website quanto uma coreografia. Eu não queria só usar a dança como tema de um site, eu queria fundir as linguagens, falar de interação e de dança simultaneamente.

Em 2007, quando eu saí da Quasar, fui morar em Paris com o objetivo claro de não dançar mais. A minha relação com a dança tinha se esgotado de uma maneira bem intensa. Acho que uma parte importante do conceito de "não dança" do trabalho vem desse sentimento. Nesse período que eu passei na França, eu tinha muito tempo livre. Andava pela cidade enquanto pensava muito sobre muitas coisas. Aos poucos foi se consolidando o formato do Pas de Danse: a ideia de uma dança formada por fotografias, como uma animação em stop motion, cujo ritmo e velocidade seria dado pela interação de quem fruísse a obra.

Quando um passo de dança é uma não-dança?

Acho que, na vida real, qualquer passo pode ser uma dança. Basta alguém declará-lo.

No mundo dança, fala-se muito da importância dos passos de ligação. Seria nesse "entre" das formas que moraria a essência da dança, nesse caminho entre uma pose e outra. Eu gosto bastante dessa ideia e dou muita importância a isso. O que acontece com o Pas de Danse é que a sequência de imagens cria a ilusão de dança, mas lhe falta justamente a ligação entre as poses, lhe falta a essência da dança, o movimento. E por ser contra, por ser o oposto e se denominar "não-dança", ele passa a sê-lo.

O que é importante na dança para você?

Ultimamente tenho dado muita importância para a beleza. Acho que o mundo contemporâneo tende a nos levar para dois pontos perigosos: uma tecnicidade quase mecânica e uma conceitualização que parece funcionar como um repelente. São tendências cujos valores são essenciais e reconhecidos, mas acho triste quando elas pretendem tomar conta de tudo e acabam transformando a arte em algo frio e desinteressante. Tenho me sensibilizado com coisas belas, não no sentido matemático de proporções ideais, mas sim no que a beleza tem de sublime, de encantador. São situações raras, na maioria das vezes impalpáveis, mas valem muito a pena.

Comentários sobre Antonio Nóbrega

2011-02-24T17:10:00.000-08:00

Ainda sobre Antonio Nóbrega. Fui à aula-show indicada no post anterior (como disse, ela deve percorrer 15 cidades brasileiras) e durou cerca de 1h30. Ele sozinho no palco, entre instrumentos, cenário e um computador (sim, suas referências estavam anotadas).

Há seu carisma, claro, que nos faz cúmplices do que tem para contar. Mas me impressionou dominar o palco de um jeito aparentemente natural, sem outros recursos além do que tinha para contar. Quem consegue dançar em círculos e ser grandioso, sem afetação? Pois Nóbrega, logo no início, faz isso dançando e evocando o que ele chama das três matrizes da cultura brasileira: indígena, europeia (Portugal) e africana.

Ele tem o que dizer, ele tem o que dançar e sua dança me cativa. Conhecedor e inquieto com essa formação das danças brasileiras, ele conseguiu abrigar em seu corpo as nuances de várias vertentes, como frevo e capoeira, e criar um modo único de se mover, rico e instigante. Tamanha habilidade faz seus movimentos leves e elegantes, um Fred Astaire contemporâneo. E parece fácil, uma brincadeira com o corpo. Há um recurso que me chamou atenção desta vez, o uso do ataque para começar um movimento, que desacelera gradualmente em sua sequência, até outro passo firme. Assim, ele brinca no espaço que faz grande.

Sempre quero ver mais.

Antonio Nóbrega. Foto: Walter Carvalho

Sonho

2011-02-22T07:35:00.000-08:00

Antonio Nóbrega

Há dias que acordo e gostaria de dançar como ele. Seu trânsito, que o fez reconhecido artista, entre o erudito e o popular é sempre cheio de belezas.
Uma dica. O músico e dançarino Antonio Nóbrega apresenta uma aula-espetáculo Mátria: Uma Outra Linha de Tempo Cultural, no Itaú Cultural, nesta quarta, 23 de fevereiro, 20h, em São Paulo. Até junho segue para outras 15 capitais brasileiras.

Para quem se interessar, mais informações: http://www.itaucultural.org.br/

Passagem

2011-02-21T14:16:00.000-08:00

O som do piano, quando passo em frente a alguma escola de dança, me leva a lugares imprevistos da memória. Sinto um pouco a alma da dança nesses momentos.

Espaço da dança no cinema

2011-02-17T17:12:00.000-08:00

O espaço e o tempo, um assunto caro à dança, neste curto filme de Maya Deren (1917-1961), A Study in Choreography for Camera, 1945. Os primórdios do cinema experimental com o bailarino Talley Beatty.

Invadir espaços, editar o tempo, e a dança a serviço do cinema. Maya conhecia dança e cinema e apostou no diálogo entre movimento e plano.

A câmera de 16 mm, comprada em segunda mão, foi seu suporte nos filmes que a tornaram referência desse modo de encarar o cinema na década de 1940.

Fotos da Luiza

2011-02-15T08:26:00.000-08:00

Durante dois anos, a Luiza Lopes andou atrás de mim pedindo fotos. E eu dizendo que nem sempre era possível por conta dos direitos autorais, etc. etc. Ironia do destino, para fazer o post sobre a São Paulo Companhia de Dança eu pedi para publicar uma foto dela. Ela foi muito melhor do que eu, disse que poderia usar na hora. Precisava e queria agraceder.

A Luiza é um dos destaques da Companhia, tem físico invejável, braços e pernas longas, esbelta e ótima extensão. Durante os mesmos dois anos, eu sempre dizia: "concentração, Lu, concentração para você superar isso ou aquilo". Contudo, nada disso seria importante se ela não tivesse um enorme prazer em dançar. No palco, ela tem uma energia que toca a plateia e faz com que todos vibrem com ela.
Eu continuo dizendo, "concentração, Lu, concentração!"

Tchaikovsky pas de deux, de Balanchine | Foto: divulgação| Reginaldo Azevedo

SPCD, saudades

2011-02-15T08:09:00.000-08:00

Elenco SPCD 2011, com Richard Cragun. Foto: Luiza Lopes

No fim de semana, encontrei Iracity Cardoso e Inês Bogéa no teatro. Todas fomos ver o Balé do Teatro Castro Alves.

Nesse ambiente, senti saudades das temporadas passadas, quando trabalhava na São Paulo Companhia de Dança. Senti falta principalmente das horas antes de abrir as portas ao público, quando a ansiedade e expectativa davam frio na barriga. Torcia (e torço) pelos bailarinos porque acompanhava o dia a dia, sabia quase todas as histórias e era impressionante a transformação no palco. Tem nova temporada em março.

Merde, queridos! Em breve dou notícias sobre as duas estreias.

Balé Teatro Castro Alves | Crítica

2011-02-14T16:21:00.000-08:00

A Quem Possa Interessar. Crédito: Divulgação

A Quem Possa Interessar é a coreografia de Henrique Rodovalho feita sob encomenda para o Balé Teatro Castro Alves. Um encontro de histórias delineadas em tempos e propósitos distintos. De um lado, o criador da Quasar Cia de Dança, de Goiás, inquieto e urbano, para quem explorar os limites dos movimentos e suas reverberações no corpo se tornou marca registrada. De outro, a companhia baiana com bailarinos em idade entre 35 e 60 anos, formada em 1981, sob o comando de Antonio Carlos Cardoso, cuja característica foi saber dosar a dança formal às manifestações populares. O trabalho traz como grande riqueza o diálogo em que visivelmente os dois lados foram ouvidos. A estreia foi em agosto passado, no teatro da companhia, em Salvador. Em São Paulo, o grupo fez uma série com três coreografias no teatro do Sesc Vila Mariana, de 10 a 13 de fevereiro. As outras duas, À Flor da Pele, de Ismael Ivo, e 1Por1PraUm, de Jorge Vermelho, atual diretor. (Infelizmente, só vi apenas a primeira, motivo da crítica).

Foi uma peça feita em parceria, nos informa o programa. Rodovalho sugeriu que cada um dos 24 bailarinos resgatasse experiências, gostos e trajetórias. Pediu depoimentos e os gravou. A Quem Possa Interessar inicia-se justamente com as palavras dos bailarinos contando desejos e histórias de vida. Passando de uma a outra confidência, eles dançam sozinhos, acompanhando suas vozes. Não recriam exatamente o que dizem, interagem com as situações narradas, de modo bem humorado e leve. Não é a primeira vez que Rodovalho usa o recurso, em Coreografia para Ouvir, de 1999, uma de suas maiores obras, a Quasar foi buscar nas vozes de artistas regionais motivos para dançar. Mas diferentemente desse trabalho, a atual obra intercala depoimentos com canções, gravadas e ao vivo cantadas pelos próprios artistas.

Rodovalho também imprimiu seu estilo, sem exigir, contudo, que os corpos já mais velhos conquistassem o vigor dos seus bailarinos. Mas está tudo lá, os movimentos a um só tempo pouco simétricos e fluentes, o uso do chão, a luz pontuando a cena, os desenhos coreográficos, o humor. Aproveitou a afinação e colocou a interpretação em cena. Respeitosamente, não expôs nenhum integrante ao que não podiam, não há qualquer habilidade que transpareça buscar um tempo sem volta, de energia e de virtuosismo.

Se Rodovalho entendeu a leveza e o caldeirão cultural da companhia bahiana, os bailarinos retribuíram esforçando-se para devolver corporalmente com seu estilo. Há certa secura e precisão, características do coreógrafo, mas também ginga. Os momentos mais memoráveis estão nesse encontro, em particular quando os homens dançam em conjunto ou quando todos, ao cantar e dançar, ocupam distintas porções do palco.

Em um balé como esse não escapa a dimensão humana e, por se alongar um pouco, o sentimentalismo tira parte do impacto. Não perde, no entanto, o valor de restaurar a dança em seu tempo e lugar.

Veja outros lados da mesma coreografia em Tudo é Dança.

Volta

2011-02-12T06:27:00.000-08:00

Agora tenho companhia para o blog. Minha amiga Marcela Benvegnu, do Tudo é Dança, prometeu um diálogo. Vai voltar a postar.

Como a blablablá da história, eu faço coro para a tititi ficar na internet mais tempo.

Retrato

2011-02-11T14:24:00.000-08:00

Crédito: REUTERS Flauraud Valentin

Muitos sonham com este reconhecimento. Mayara Magri,16 anos, foi vencedora do Prix de Lausanne, Suíça. É a primeira brasileira com esse mérito em um ano que teve no júri Iraticy Cardoso, atual diretora da São Paulo Companhia de Dança, também primeira brasileira a ocupar este papel.
Aparentemente, a natureza lhe favoreceu: tem pernas e braços longos e ótima extensão. Com o trabalho, ganhou beleza nos movimentos e firmeza na execução. E, claro, o carisma. Como muitos bailarinos, Mayara começou a dançar no projeto Dançar a Vida. Que seja apenas o primeiro passo de uma longa carreira.

Companhia

2011-02-10T06:38:00.000-08:00

Ela tem uma Companhia. Me diz que é só de criança.

Já não posso participar.

A dança de cada dia

2011-02-10T05:58:00.000-08:00

A dança é uma das atividades curriculares de artes das escolas públicas e divide com a música o maior grau de dificuldade para professores. Para dar aulas de dança, é preciso recurso técnico, boa formação, mas para saber movimentar o corpo e usá-lo como ferramenta do dia a dia é preciso despertar para pequenas informações.

Duas atividades gratuitas para professores do ensino regular e arte-educadores mostram como o corpo é aliado na sala de aula. Não são cursos de formação, mas alimentam a consciência para o que anda esquecido em tempos atuais.

Um dos eventos é a Palestra com o Professor, da São Paulo Companhia de Dança, ministrada pela diretora Inês Bogéa, dia 19, às 10h, em São Paulo, na sede da Companhia, com o tema Vida de Bailarino.

O outro é o workshop com Ivaldo Bertazzo, já com as inscrições encerradas, para multiplicadores de seu método, nos dias 11, 18 e 22 de fevereiro.

Foto: Palestra com o Professor
crédito: Divulgação | Wilian Aguiar

Sapatilhas sem agonia

2011-02-03T10:24:00.000-08:00

O balé clássico está sempre com os dias contados. Decretar sua morte ou sua inutilidade é provovação certeira de nossos dias.

Só remontar os grandes clássicos é desgastante, mas ficar sem eles é empobrecedor. No equilíbrio entre passado e presente, as melhores montagens procuram a essência, sem esquecer que os corpos são diferentes, as interpretações divergem e o tempo é outro. Há o desafio técnico desses grandes balés - como O Lago dos Cisnes, para usar o exemplo da moda - que se perpetua entre bailarinos, é verdade, e se vulgarizou em certa medida. Contudo, a dança ainda é uma arte que se transmite de corpo para corpo. Grandes companhias sabem disso e não montam uma obra sem um remontador oficial - quem viveu no corpo a técnica, a emoção, a intenção quase sempre em uma linha direta com o coreógrafo. É um dos belos encontros da dança e a história sobrevive nesse movimento entre gerações. Não vale a pena ficar sem esta parte da dança!

Foto: Ulyana Lopatkina and Danila Korsuntsev

Créditos: Natasha Razina and the Kirov/Mariinsky Ballet ©

Mais uma vez

2011-02-02T08:52:00.000-08:00

De volta ao blog, sem nunca ter saído da dança.

Presente na dança

2008-12-01T09:10:00.000-08:00

Há algum tempo tento postar alguma coisa sobre a série de programas Figuras da Dança, projeto nascido da São Paulo Companhia de Dança em parceria com a Fundação Padre Anchieta. Só agora consegui driblar o tempo e o cansaço. Vamos lá.

Memória da arte é coisa séria e os cinco programas iniciais, já transmitidos pela TV Cultura - Ivonice Satie (1950-2008), Ady Addor, 73 anos, Marilena Ansaldi, 74, Penha de Souza, 73 e Ismael Guiser (1927-2008) -, trazem o vigor do pensamento e da atividade artística de cada um deles, com diferentes intensidades. Mas não era apenas sobre os programas que queria falar.

No dia do lançamento, em um café-da-manhã na sede da companhia, na Oficina Oswald de Andrade, houve um encontro generoso entre passado e presente. Nos corredores, uma mistura de pessoas envolvidas com a dança de todas as idades, de diversas áreas, de vários lugares. No mesmo ambiente, na sala de ensaio, a companhia se preparava para o Programa 2, em cartaz em algumas cidades brasileiras, com ensaios das coreografias Les Noces (1923), de Bronislava Nijinska (1891-1972), Serenade (1945), de George Balanchine (1904-1983), e Entreatos (2008), de Paulo Caldas.

Havia nesse encontro uma mistura muito interessante, as pessoas se sentiam parte da companhia, envolvidas com a feitura de um momento determinante da dança paulistana. Antigos bailarinos, professores de dança, ensaiadores assistiam aos ensaios e ajudavam com observações sobre a coreografia. Uma idéia de companhia pública aberta, disposta a ouvir, sem perder sua proposta.

Novas seqüências

2008-11-28T05:49:00.000-08:00

A vida com bebê é para valentes. Se você está envolvido diretamente, entre a afeição e as descobertas, o dia-a-dia é intenso. Tamanho empenho tem, claro, suas recompensas - e a natureza capricha na lente de aumento que coloca no olhar materno para não dar trégua ao amor. Por isso, cada conquista dos bebês é vista com a emoção de desbravadores.

Minha filha tem cinco meses e no seu desenvolvimento físico fico observando como o corpo vai estabelecendo suas relações. Primeiramente, tudo parece que flui bem, o encontro dos braços e pernas, o rolar. Os movimentos parecem macios, sem nunca ultrapassarem seus próprios limites. É interessante observar como o corpo trabalha para rolar de um lado para o outro, como os ossos e músculos estão ligados, e o prazer que uma nova posição oferece para ela. Uma nova sequência na minha vida.

Novos tempos

2008-05-26T15:28:00.001-07:00

O blog entrou em licença-maternidade.

Ismael Guiser e a dança paulista

2008-05-05T16:21:00.000-07:00

Ismael Guiser faleceu semana passada em sua casa, em São Paulo, aos 81 anos. A data gerou algumas matérias e comentários sobre sua carreira, mas pouco se falou da dimensão de sua atuação na dança paulista.

Argentino nascido em Buenos Aires, Ismael veio ao Brasil para fazer parte do Balé do IV Centenário, em 1954, na comemoração dos 400 anos de São Paulo. Tinha qualificação e experiência que faltavam ao cenário local. Estranhou o modo como a dança acontecia por aqui, falta de estrutura, falta de bailarinos, falta de história. Mas esse ambiente representaria uma chance grande para um profissional como ele, que tentava solidificar sua carreira na Europa.

Como muitos de sua geração, mais do que a criação propriamente dita, sua grande contribuição está na persistência e na dedicação em ensinar, difundir e mostrar a dança. Por conta disso, além da escola que leva seu nome e chegou a ter cerca de 3 mil estudantes, esteve próximo ao teatro, à televisão e ao cinema. Aproximou-se de outros grandes nomes da dança e tinha um bom olhar para novos bailarinos. Com isso, ajudou a moldar a cara da dança em São Paulo, com sua força na década de 1970 e seu ápice na década seguinte.

Atualmente, dava aulas e se preparava para seu depoimento público para a TV Cultura. Estava sempre tão presente em tudo até hoje que sua morte parecia distante. Ele deixa uma lacuna.

Dança para menores

2008-04-17T07:57:00.000-07:00

Faz tempo que quero postar algo sobre a Balangandança Cia. Ano passado, por conta de um trabalho para a Secretaria da Cultura, acabei entrevistando a diretora do grupo, Georgia Lengos, e fazendo uma análise crítica sobre os espetáculos apresentados na 1ª Mostra do Fomento à Dança. Por coincidência, uma amiga me falou do grupo estes dias e selecionei parte do que já pensei e escrevi sobre a companhia que inaugurou a idéia no Brasil de fazer dança contemporânea para criança.

Quando a Balangandança Cia começou, há dez anos, a idéia parecia simples: fazer dança para criança. A questão mais importante era pesquisar como fazer isso. Ainda sem um projeto definido, Georgia tinha uma velha admiração pelas brincadeiras infantis.

O pontapé inicial para essa companhia foi dado quando ela torceu o joelho e precisou se afastar um pouco. Nesse meio tempo, uma crise artística a fez questionar seu antigo trabalho.

Depois de uma intensa pesquisa, os espetáculos começaram a nascer e deram à companhia recursos para abordar temas para esse público particular.

A dança é feita por bailarinos de formação contemporânea, com assuntos que interessam aos meninos e meninas de hoje, sempre no sentido de salientar o corpo, a movimentação, as brincadeiras entre duas ou mais crianças. Entre as coreografias, Brincos & folias (1997), Entranças – descobrindo e redescobrindo o Brasil (1999) e RodaPé (2001). Alguns pontos ligam esses espetáculo: não subestimar a compreensão infantil, falar com propriedade, deixar claras as mensagens.

Dentro dessa perspectiva, a Cia Balangandança se lançou ao desafio de fazer dança contemporânea para criança respeitando seu universo, mas sem desmerecer suas convicções. Em todas as peças há dança, em primeiro lugar, e não é pouca, nem é leve ou ingênua; a interatividade leva em conta a movimentação das crianças; existe um trabalho de consciência corporal (apesar de essas palavras estarem um tanto desgastadas), ou seja, os espetáculos lembram aos espectadores que o corpo pode e precisa se movimentar, ele também permite brincadeiras e fantasias. Talvez o detalhe artístico fundamental seja que enxergarmos tudo isso e, ainda assim, nada parece didático ou arrogante.

De modo geral, os quatro bailarinos buscam nas peças novas maneiras de se divertir, munidos de imaginação e energia. Dança, nesse caso, significa recusa ao padrão atual de comportamento, em que ficar sentado ronda a maior parte do dia das crianças – pelo menos, as que vivem em grandes cidades. Redesenhando antigas brincadeiras e adaptando outras novas, eles vão dando forma ao espetáculo, ocupando o espaço usando os elementos cênicos ora como cenário ora como instrumentos para movimentar-se.

A companhia usa gestos do universo infantil, como o levantar de braços e pernas, a ocupação do chão ou ainda um ou outro modo típico da criança (pegar os pés com as mãos e levar até próximo à cabeça), mas não se limita a isso, tudo é mais sofisticado e ágil. Todas as partes do corpo são usadas em busca de uma comunicação. É um elaborado movimentar que encanta e, ao mesmo tempo, se aproxima da platéia.

Nessas danças-brincadeiras que se sucedem, um outro acerto, o entendimento de senso da urgência infantil. Com isso, o grupo consegue um tempo preciso, uma cena, quando chega ao ápice, é logo substituída. O uso da voz é tratado como extensão do corpo, mas, sem jamais, ultrapassar a linha da dança, trata-se de uma combinação de linguagem e não uma substituição.

É nessa aparentemente simples equação que a Cia Balangandança faz sucesso com o público que escolheu, ele respeita e entende a mensagem – embora os pais de crianças pequenas mereçam ser educados, muitas vezes, por elas; não há uma peça em que os pais não falem menos do que os filhos. Banlangandança para os menores causa surpresa e movimentação, para os adultos, certa nostalgia. Afinal, os tempos são realmente outros, nem sempre para melhor.

Esse modo de dançar e pensar a dança para criança talvez venha da experiência da primeira equipe da companhia que, além de Geórgia, trazia Lilian Vilela, Cristian Duarte, Dafne Michellepis e Anderson do Lago Leite. Todos bailarinos com experiências diversas, mas com a ligação de adaptar o corpo ao mundo contemporâneo, com suas nuances e marcas da cidade, tendo como um dos nortes a improvisação. Geórgia formou-se em dança na Unicamp e, como bailarina, trabalhou com a Cia 8 do Nova Dança, grupo que influenciou, particularmente em São Paulo na década de 1990, um modo de dançar, que privilegiava o intérprete, dividia a criação.
Essa linha do tempo serve como apoio para entender a história do Balangandança. No entanto, o projeto foi mais longe, trouxe novos modos de experimentar o corpo, invertendo, possivelmente, a ordem de prioridade para seus participantes.

Ivonice Satie e um depoimento público

2008-04-09T07:47:00.000-07:00

Ontem, Ivonice Satie iniciou a série Figuras da Dança, uma parceria entre a Fundação Padre Anchieta e a São Paulo Cia da Dança. As gravações devem se transformar em futuros programas na TV Cultura.

Entre perguntas e colocações feitas por Inês Bogéa, Ivonice foi recuperando sua memória profissional que, em grande parte, também se funde e se confunde com a memória da dança paulista. Ela é boa de conversa, boa entrevistada, as respostas fluem com naturalidade.

Com mais de 40 anos de carreira e com passagens pelo Balé da Cidade de São Paulo, pela Cia de Diadema, pelo Ballet du Grand Theatre de Genève, o que fica de sua conversa e depoimento é a vivacidade do passado, uma história que desponta em ligações com o presente. Seu depoimento lança luz sobre um período essencial para o fortalecimento da dança na cidade, a década de 1970.

Em outro momento, revela sua atuação como diretora do Balé da Cidade de São Paulo, a aproximação com a cidade de Diadema, que resultou em um projeto amplo de divulgação e valorização da dança naquela cidade, principalmente com a formação da Cia de Diadema. Uma personalidade ágil e persistente, com um gosto por desafios, um modo de tratar o tempo e o corpo que deixaram marcas em bailarinos espalhados pelo mundo. Um figura da arte.

20 anos da Quasar Cia de Dança

2008-04-04T08:18:00.000-07:00

Neste mês, a Quasar Cia de Dança, de Goiânia, comemora seus vinte anos de existência. Mais do que a efemiridade, a data serve para colocar projetos como esse em evidência, pois eles permitem o fortalecimento de um modo de ver e fazer dança, longe do eixo Rio-São Paulo. A companhia nasceu do esforço do coreógrafo Henrique Rodovalho e da diretora Vera Bicalho e seu reconhecimento se deve pela visão do corpo contemporâneo.

Em grande parte, a aceitação da Quasar Cia de Dança passa pelo desenvolvimento corporal visto através dos anos. Não foi um estilo pronto, definido desde o princípio. O grupo nasceu no final dos anos 80, como desmembramento do Grupo Energia, também sediado em Goiânia, e isso diz muito sobre seu perfil. Os primeiros trabalhos traziam um corajoso tatear, uma experimentação cheia de liberdades dos recursos cênicos em voga. Se no Brasil ocupar o espaço era tão importante quanto o movimento, Rodovalho incorporou esses elementos ao seu trabalho. Algumas peças foram encenadas em praças, parques. Se o uso de vídeo e de fotografia representavam uma forma de diálogo com a dança, o coreógrafo também testou.O início dos anos 90 foi assim para a companhia, cheio de possibilidades.

O gosto pelo humor, pela cultura brasileira, em todas as suas formas, e pelo homem contemporâneo, suas instigações, alegrias e dificuldades, apontou para a Quasar um caminho que foi se apurando ao longo dos anos. Tudo sempre filtrado pelos olhos urbanos e contemporâneos, o que impediu que suas melhores coreografias tivessem qualquer tratamento anacrônico ou literal.
Com medidas variadas entre os pontos descritos acima, as coreografias do fim da década de 90, particularmente Divíduo, de 1998, e Coreografia para Ouvir, de 1999, despontam pela acuidade do tratamento do corpo, dos temas e da aproximação entre eles. Esta última ainda é uma das mais apresentadas pela companhia. Nela, Rodovalho consegue imprimir um novo jeito de narrativa na dança. Inteiramente dançada com vozes gravadas de artistas populares nordestinos, a coreografia transforma os depoimentos em situações bem- humoradas.

Apesar de se aproximar da narrativa, ela nunca é convencional nos gestos e isso tira o peso da literalidade entre palavra e movimento. Rodovalho consegue inverter a situação: não é a fala popular que nos aproxima da coreografia, é pelo movimento dos corpos que conseguimos nos aproximar dos artistas populares. Coreografia para Ouvir é um grande exercício de exploração do corpo e um dos pontos altos da história do grupo.

Entre essas e outras coreografias do início dos anos 2000, a linguagem desenhada pela Quasar foi adquirindo nitidez. Nos moldes de hoje, há uma forte preocupação com o desenrolar do corpo no espaço, no tempo, não mais a urgência de experimentar lugares, brincar com as possibilidades do movimento. Em O+, de 2003, Rodovalho lança um olhar sobre a dança contemporânea, seu conteúdo, seus registros, seu sistema de aprovação no Brasil. Ela recupera um tanto da vivacidade dos primeiros tempos ao unir falas, placas e intervenções com a platéia.

Só Tinha que Ser com Você, de 2005, feita com as canções do álbum Elis & Tom, carrega esse caldeirão de influências, tentativas, êxitos e alguns erros; e surge principalmente de um afinado modo de tratar a cultura brasileira, no caso, com as músicas escolhidas. Como acontece com Coreografia para Ouvir, Henrique Rodovalho consegue novamente alterar nossa percepção: não é apenas a música que nos lança para a coreografia, é a coreografia que nos apresenta um novo meandro das músicas e uma possível forma de renovação. Ao drama e à narrativa presentes nas canções de amor do álbum, Rodovalho deu sua versão: o drama é revisto na coreografia pela intimidade criada pelos elementos da cena; a narrativa está diluída no modo como os corpos se movimentam.

Pequena história da Quasar

2008-04-03T12:59:00.000-07:00

Em 1988, aos 24 anos, Henrique Rodovalho decidiu-se pela carreira de coreógrafo. Como a maioria dos criadores de sua geração, a inquietação em encontrar um estilo próprio deu a ele coragem e marcou a carreira da companhia que, também em 88, ajudou a fundar ao lado de Vera Bicalho, a Quasar Cia de Dança, em Goiânia, sua cidade natal. Rodovalho fez educação física e artes marciais. Conheceu a dança depois, no no meio acadêmico. Encantado, resolveu mudar-se para o Rio de Janeiro. Nessa busca, a ginástica, a dança de rua, a luta tornaram-se recursos para sua investigação. Somem-se a isso técnicas de dança moderna e ritmo urbano.

A Quasar traçou seu caminho ao longo dos vinte anos de existência em meio a essa pluralidade e a uma grande habilidade corporal. E Goiânia não representou um exílio cultural nem uma acomodação intelectual. O país é que voltou seus olhos com curiosidade para a dança que se fazia por lá, guiada pelo nome de Rodovalho.

Ele se tornou o criador aplaudido por traçar um modo de dançar urbano em constante diálogo com a cultura brasileira. Suas coreografias são de grande precisão técnica, feitas de movimentos matemáticos, calculados e, ao mesmo tempo, fluentes no modo como um gesto se liga ao outro. Na estranha harmonia criada por Rodovalho, o corpo não atua em uma simetria convencional: a cabeça pode deitar para um lado, enquanto um braço e os quadris vão para lados opostos; trata-se de um corpo de múltiplos vetores impulsionando os gestos. Em grande medida, a comoção dos espetáculos acontece pela decisão de explorar o vocabulário físico no limite característico, que nos permite observar seu sofisticado corporal.

Nesta comemoração de 20 anos, a Quasar Cia de Dança merece e encontra um lugar na primeira fila na dança contemporânea brasileira.

Tempos clássicos 2

2008-04-02T11:08:00.000-07:00

Dias atrás, escrevi sobre a coleção de dança que está nas bancas. Eu realmente acredito que isso é uma chance boa para quem está envolvido com dança e quer ou precisa destas referências de obras clássicas.

Mas queria colocar duas novas questões: a primeira edição custou R$ 19,99 e as novas serão R$ 39,99. Não é um preço muito atrativo para banca. Apesar de ser um pouco mais barato que as versões importadas, ainda é caro. Outro ponto, os libretos são ruins. Ou melhor, eles não trazem nada realmente complementar à obra (no caso de Branca de Neve ele nem diz de quando é a montagem). Com tanta falta de informação sobre dança, isso seria de grande valia para quem compra.

Ruth Rachou e a dança em São Paulo

2008-04-02T08:15:00.000-07:00

A Galeria Olido, em São Paulo, presta homenagem nesta semana aos 80 anos da bailarina e professora Ruth Rachou. Vir a ser, espetáculo que será apresentado de sexta a domingo a coloca próxima de seus alunos e seguidores. Na próxima semana, a sala Crisantempo recebe o mesmo espetáculo.

Ruth Rachou faz parte da geração que apareceu pela primeira vez com o Balé do IV Centenário (um marco decisivo na história da nossa dança). Depois do precoce fim da companhia, participou de vários grupos e montagens, até criar sua própria escola, em 1972, onde até hoje é responsável pela disseminação da técnica moderna de Martha Graham. Mais do que isso, ela fortaleceu a carreira de outros importantes nomes da dança, como Célia Gouvêa, Mara Borba e José Possi Neto.

No livro Dança Moderna (São Paulo, Secretaria Municipal da Cultura, 1992) a pesquisadora Cássia Navas faz uma interessante relação entre o nascimento da dança moderna e o da dança paulista. Ela escreve assim:

“Isadora Duncan (1877-1927), Maud Allan (1880-1945), Loie Fuller (1862-1928), Ruth Saint-Denis (1879-1968), Mary Wigman (1886-1973), Martha Graham (1884-1991), Doris Humprey (1895-1958). Na gênese da dança moderna, a maior parte de seus construtores era mulheres. Várias pesquisas tentam dar conta do porquê desta especificidade, sem, contudo, excluir de suas considerações o papel dos homens na modernização da linguagem. Esses estudos apontam para possibilidades diversas, como a ligação entre os movimentos feministas da virada do século e a primeira geração da dança moderna. Quando se pensa na experiência paulista na dança, esta característica histórica salta aos olhos: professoras, coreógrafas e bailarinas modernas espalharam suas práticas e idéias na cidade, atuando em campos diferenciados das artes, educação e cultura. Funcionaram como matrizes de inquietações e novidades, influenciando, através de suas aulas, espetáculos e palavras, algumas gerações de artistas da capital.”

Ruth Rachou pertence a essas mulheres pioneiras, que trouxeram investigações e disseminaram novas formas de olhar o corpo e a dança. Seu trabalho e persistência merecem essa e outras comemorações.

Alegrias do corpo

2008-03-31T08:23:00.000-07:00

Estou grávida de sete meses e, durante toda a gestação, eu fiz aula do método Feldenkrais, que eu já fazia antes. Como sempre gostei de observar o corpo, suas mudanças e adaptações, a gravidez trouxe curiosidades e surpresas. Tenho medo dos extremos, de transformar esse tempo em algo mais exagerado do que posso suportar (tenho 34 anos, a gravidez foi planejada, a casa está legal. Enfim, eu me sinto um pouco incomodada com a bolha que se forma em torno desse tipo de mãe, quando se perde certa naturalidade). Tudo isso para dizer que as aulas me ajudaram a tornar os sete meses em algo mais tranqüilo e natural, como eu queria.

O corpo vai se adaptando e, no meu caso, muitas vezes, esquecia que estava grávida. A barriga não incomodava (e ainda não incomoda, apesar de estar grande), não pesava demais, não me impedia de nada. O mais interessante é perceber as alterações no equilíbrio, vou ficando mais para frente ou para trás conforme a posição; a falta de abdômen me dá mobilidade lateral, para levantar, posso rolar para o lado, para abaixar, giro mais o tronco; a possibilidade de integridade entre todas as partes do corpo, para ficar de cócoras ou agachada, as torções são mais solicitadas, por exemplo.

Eu me identifiquei desde o princípio com esse método porque acredito nesse corpo que se adapta e ganha com as novidades, respeitando os limites, não impondo padrões fixos, e facilitando os deslocamentos. Ainda faltam dois meses e tudo está caminhando para o parto normal que quero. O corpo tem dessas felicidades.

Os tempos clássicos

2008-03-28T09:06:00.000-07:00

Há alguns anos, entrevistei a Roberta Marquez, bailarina formada pelo Teatro Municipal do Rio e hoje estrela do Royal Ballet em Londres, por canta da revista/livro Na Dança. Ela comentou um fato curioso para o Brasil. Quando foi escalada como primeira-bailarina convidada do Royal para dançar o papel principal de Giselle, alguns frequentadores do teatro passaram a escrever e a ligar para a organização para saber quem era ela. O que quero dizer é que esse tipo de atitude dimensiona a popularidade da dança por lá. Por isso, as livrarias especializadas recebem freqüentemente livros e DVDs de diversos assuntos ligados ao meio.
No Brasil, o acesso é infinitamente mais restrito. Os motivos são vários e de todas as ordens. Mas, a umas duas semanas atrás, encontrei na banca uma coleção que se chama O Melhor do Ballet, da Planeta DeAgostini, com aval de uma das mais reconhecidas bailarinas brasileiras, Ana Botafogo. São vídeos com os famosos balés de repertório. A primeira edição na banca traz uma versão do Royal Ballet para O Quebra-Nozes e um outro balé, Branca de Neve, coreografia de Ricardo Cué.
A primeira coreografia é, ao lado de O Lago dos Cisnes, uma das obras mais dançadas em todo mundo, em especial na época do Natal. Eu sempre acredito que essas obras são grandes palcos para os melhores bailarinos. Por isso, mesmo quem já viu algumas vezes, ainda consegue se encantar com as passagens e personagens um tanto caricatos. Em Branca de Neve, como não se trata de uma obra de repertório, faltam algumas informações no libreto, como a data da coreografia, pontos sobre a adaptação.
A iniciativa faz circular informações sobre a dança, mesmo que ainda esteja restrita aos grandes clássicos, com a possibilidade de oferecer a quem gosta a chance de ter uma videoteca com preços mais acessíveis. As gravações são de qualidade, com ótimos bailarinos. Vale a pena.

São Paulo e sua companhia de dança

2008-03-12T12:51:00.000-07:00

Há duas semanas, a São Paulo Companhia de Dança terminou suas audições para contratação de bailarinos. Estive na audição feminina em São Paulo, com mais de 250 bailarinas inscritas para a prova, entre profissionais e outras começando suas carreiras.
Apesar do clima de avaliação, da visível preocupação das bailarinas, a técnica ainda é a grande responsável pela aprovação ou não. Depois de um tempo, as pessoas que assistiam já conseguiam prever quem passaria.
Para a audição, a direção artística (Iraticy Cardoso e Inês Bogéa, adjunta) deu preferência para quem tinha formação clássica, mas que conseguisse transitar com boa fluência entre outras expressões. Não por acaso, algumas bailarinas que eram visivelmente melhores nessas modalidades também foram classificadas para a final.
A companhia deve ter esse perfil de grande trânsito, capaz de montar um clássico e dançar peças com exigências contemporâneas. A dança promete ficar maior no Estado.

De novo

2008-03-12T12:49:00.000-07:00

Depois de quase seis meses, estou de novo às voltas com o blog. E a dança.

Projetos

2007-08-29T16:20:00.000-07:00

Ontem foi inaugurada a escola de dança Pulsarte. O projeto (sonho) era antigo, vontade da Gladys Altafini. O prédio é enorme, com uma estrutura digna de grandes companhias: salas enormes, boa iluminação, biblioteca, videoteca, etc. Além do seu empenho em materializar tudo, contou com a ajuda especial da Simone Sant´Anna, que ajudou a tocar tudo para frente.

Na escola, já a partir deste mês, eu dou aulas de História da Dança em módulos especiais abertos ao público e para as aulas de formação de clássico.

www.pulsarte.com.br

A música e o corpo

2007-07-26T07:38:00.000-07:00

Um amigo jornalista, Alexandre Staut,
fez uma entrevista com o Lenine, para uma matéria
sobre o Grupo Corpo, publicada na Gazeta Mercantil.

Depois de ter colocado no ar o texto abaixo, ele mandou um depoimento do compositor, que mostra a relação da coreografia com a música, de como a dança pode enriquecer e ampliar as canções.

"Chamado para um dos ensaios da companhia, Lenine diz ter percebido, pela primeira vez, a tridimensionalidade de sua música. 'Rodrigo aproveitou a sucessão de instrumentos nos mínimos detalhes. A música acabou ganhando relevos inesperados', diz o músico que criou oito movimentos, nos quais usou até mesmo uma 'Briga de Cachorro Grande', estilo musical nordestino em que dois instrumentos de sopro dialogam."

Retomando a história

2007-07-24T08:27:00.000-07:00

Na próxima semana, o Grupo Corpo estréia nova temporada, em São Paulo, à moda de uma fórmula testada e reinventada por ele mesmo: a união de quatro elementos de cena, coreografia, trilha sonora especialmente composta, figurino e cenário. Breu, de Rodrigo Pederneiras, tem colaboração de Lenine como compositor.

Segundo a divulgação do espetáculo, Pederneiras reconstrói seu vocabulário. Despede-se da evidente sensualidade e da fonte popular, por exemplo, para um código de estranhamento, como o uso mais assíduo do solo. Com essa expectativa, a companhia mineira tenta recriar o próprio caminho, como fez no início da década de 1990.

Passado e futuro

Do ponto de vista coreográfico, 21, peça de 1992, representou o ponto de encontro entre passado e futuro, e iniciou de forma mais clara a combinação de movimentos da tradição clássica (que é a base de formação dos bailarinos da companhia) aliada a impulsos vindos das danças populares, das tradições locais e do próprio modo de se movimentar no Brasil, que resultaram no jeito de dançar da companhia. Com trabalhos como esse, e sistematicamente, o Grupo Corpo ajudou a encabeçar a noção de uma dança brasileira, sem estereótipos. Essa noção não era mais ligada a uma dança nacional estilizada em gestos clássicos nem estava vinculada à idéia de passos com pendores folclóricos ou exóticos. Embora as coreografias de Rodrigo Pederneiras dessa época não eliminem nenhuma dessas idéias, os resultados retomam criticamente o caldeirão de influências e a história da nossa dança – e até mesmo da nossa falta de tradição.

Sobre esse assunto, Arthur Nestrovski escreveu: “[...] o Grupo Corpo inventou o Brasil muitas vezes. Invenção é melhor que descoberta, porque não se trata simplesmente de recolher o que está aí, ou encontrar o escondido. ‘O papel do artista criador não é figurar uma nacionalidade, mas transfigurá-la’, já dizia Mário de Andrade (numa carta ao compositor Camargo Guarnieri, de agosto de 1934). As transfigurações brasileiras eram uma questão em 1975, em pleno período da repressão militar, e são outra hoje, quando aquilo a que se resiste não tem rosto, nem definição clara. Mas num como noutro contexto, as intuições de uma arte do Brasil estão no centro de tudo o que o Corpo faz – no centro ou à frente, como uma pedra ou um quadrado, atrás do qual se vislumbra um estilo de ser.”[1]

O Grupo Corpo, nessa década de 1990, reconstitui e amplia a trajetória da dança brasileira. Pode-se dizer também que a internacionalização da dança nacional, em grande medida, passa por seu desempenho e sua ascensão à época. Esse ápice não representava uma ruptura com o passado da companhia, mas uma evolução desde seu surgimento nos anos 1970.

Os anos 2000

O primeiro trabalho dos anos 2000, O Corpo, com música de Arnaldo Antunes, teve a intenção de apontar um novo caminho. Ainda que o tema árido das cidades fosse distintos de espetáculos anteriores como Parabelo (1997), o modo de coreografar manteve-se apoiado na maneira de ocupar o espaço e de se movimentar de peças da mesma época.

Santagustim (2002) e Onquotô (2005) revelam novamente a manutenção da linha de criar de Rodrigo Pederneiras: várias seqüências simultâneas que se complementam, sem jamais se chocar, valorizando o palco, os gestos, a posição do conjunto dos bailarinos.

Ao que parece, Breu vem com um novo olhar para o corpo contemporâneo, com uma ruptura dos padrões que já qualificaram o grupo, como o jogo de quadris e a rapidez nos braços e pernas.

foto: José Luiz Pederneiras

[1] NESTROVSKI, Arthur. “Faca das Palmas”. In: BOGÉA, Inês (Org. e apresentação). Oito ou nove ensaios sobre o Grupo Corpo. São Paulo: Cosac & Naify Edições, 2001.

Para além da dança

2007-07-19T09:01:00.001-07:00

Aos 59 anos, Mikhail Baryshnikov estreou ontem no Brasil, em Joinville. Há muitas expectativas em torno de seu nome. Na dança, depois de Nureyev (1938-1993), ele é único a ser conhecido e reconhecido além dela. Mesmo quem nunca viu um passo de balé consegue associá-lo aos palcos, uma estrela que transita entre públicos distintos.

Eu o vi dançar em 1998, em São Paulo, em sua turnê com coreografias em comemoração aos seus 50 anos. Não tinha mais as piruetas, os saltos e outras seqüências que o tornaram uma lenda entre solistas masculinos. Mas sua presença no palco ainda era impressionante: a concentração imperturbável, a disposição de deixar todos os passos aparentes, os movimentos precisos, o uso do tronco e dos braços. À época, fiz a seguinte observação em uma crítica no Caderno Fim de Semana, da Gazeta Mercantil, onde trabalhava: "Baryshnikov não é do tipo de bailarino que dança com um certo desprendimento, com ar de que o que está fazendo é muito simples".

Seu carisma parece uma combinação desses atributos porque ele não é sorridente, tem o rosto pálido e fundo, não é alto, é muito magro. Ou seja, foge de qualquer clichê de beleza ou popularidade.

A crítica americana Arlene Croce escreveu certa vez que ele seria um gênio em qualquer arte que se lançasse por sua capacidade de entender e transformar a técnica, um trabalho minucioso de paciência, que inclui dedicação e regularidade. "Deus é paciência", escreveu Guimarães Rosa.

Foto: Marcela Benvegnu

Dona Eugenia

2007-07-19T07:59:00.000-07:00

Eugenia Feodorova morreu na última segunda-feira, no Rio de Janeiro, aos 82 anos. Chegou ao Brasil em 1954, a convite de Dalal Achcar, para montar o Ballet do Rio de Janeiro, e, apesar de achar o país um tanto confuso, acabou ficando.
Formou muitas gerações de bailarinos, no Teatro Municipal do Rio e na sua escola, em Copacabana. Era reconhecida e respeitada pelo rigor e olho clínico nas aulas e, sem dúvida, ajudou a fortalecer a dança no Brasil, particularmente no Rio de Janeiro.
Foi a primeia a montar a versão completa do "O Lago dos Cisnes", em 1959, no Brasil.

Corpo Invisível

2007-07-11T12:19:00.000-07:00

Mês passado (edição de junho) saiu uma matéria minha na Revista TPM, com o mesmo título citado acima. O texto a seguir está na íntegra, sem os ajustes finais da revista.

Corpo Invisível

Tudo começou com uma dor nas costas e duas perguntas: o que o corpo feminino suporta hoje? Quais suas travas? Aliviada a dor, ainda questionei: quais suas expectativas? Na reportagem que você lê a seguir, quatro engenheiros do corpo feminino contam por que achamos normal viver travadas, com dores nas costas, nos ombros, nos joelhos....

Sentir dores nas costas, ombros, pernas, joelhos e ver corpos novos, de 20 ou 30 anos, quase imobilizados tornaram-se coisas comuns. Estranho pensar assim? Mais esquisito ainda é perceber que tantas dores e incômodos estão longe de ser normais e só damos atenção a eles quando a luz vermelha acende. Ou seja, quando percebemos que deixamos de fazer coisas legais – e vitais – por limitações corpóreas que não deviam existir na nossa idade.

Alguns séculos atrás, o corpo era apenas o veículo de nossa alma, indigno, portanto, de sequer ser lembrado. Em tempos atuais, ele entrou na ordem do dia e todo mundo, mesmo que não esteja pensando 24 horas nisso, carrega alguma preocupação ou cuidado. Por isso, em busca de saúde ou de beleza, muitos se comprometem com algumas horas de exercícios na semana. Mas, de modo geral, há um descompasso na situação porque, repetidas vezes, movimentar-se ficou tão prazeroso quanto enfrentar uma longa fila no banco. Cumpre-se uma obrigação com o corpo e, depois, ele é eliminado das atenções do resto do dia.

É aí, nessa dissociação, que está a causa de tantas dorzinhas ou travas. De modo prático, o corpo que faz exercícios é o mesmo que vai ao supermercado, ao cinema, à festa, ao bar, à escola do filho. Com ou sem barriga, com mais ou menos celulite, ele não é uma entidade separada da vida. O certo é que muitas vezes só o percebemos quando ele “fala mais alto”, incomoda ou, mais grave, trava.

Ao mesmo tempo em que hoje contamos com uma supersofisticação profissional, ainda somos meio brutas quando pensamos nele: não conseguimos saber direito para quê o corpo serve e como pode nos ajudar a melhorar concretamente o dia-a-dia. É fácil cair na armadilha de que o ideal ainda é ser magra, magérrima para dar a exata medida. Nesse caso, a frase do psicanalista Eduardo Furtado Leite é pontual: “A mente sã em corpo são tornou-se promessa de mente satisfeita e feliz em corpo explorado, otimizado, construído com recursos científicos ou não”.

À vontade de manter o corpo alinhado aos padrões atuais soma-se o exagero em exercícios descabidos, dietas malucas, sacrifícios no lugar do prazer. E o corpo perfeito não chega, não aparece. Na combinação entre trabalho intenso e muito exercício, um dia o corpo pára, sem mais nem menos. Dores nas costas insuportáveis preocupam mulheres de 20 e poucos anos, as pernas sofrem para subir escadas.

Se isso não acontece com você, com certeza tem aquela amiga que vive reclamando do mal-estar com o corpo. Ombros, costas, quadris, joelhos – nesses lugares, estão os pontos de enrijecimento do corpo feminino mais freqüentes. E é triste constatar que isso é fruto de um envelhecimento precoce – isso mesmo, aos 20 e poucos anos – que significa mais inabilidade para o movimento do que idade avançada.

E tanta dor pode comprometer o desejo sexual, porque o corpo não consegue mexer-se com facilidade, para desgosto das que lutaram por essa liberdade. “Se eu for pensar em tensões atuais, a tendência da mulher não era ter dor nos ombros. Hoje elas têm. São couraças atuais e que não são originadas em traumas da infância, são mecanismos de defesa”, diz o psicoterapeuta José Eduardo Abdallah. Entre outras fontes, ele trabalha com base nas idéias do psiquiatra e discípulo dissidente de Freud, Wilhelm Reich, que defendia que o corpo acumula tensões em pontos específicos, com fundo emocional, bloqueando o fluxo natural de energia. Sendo assim, José Eduardo acredita que 95% das dores são somatizações ou “couraças musculares”.

Ivaldo Bertazzo, Bianca Marinho, Silvia Soter e José Maria Carvalho são profissionais que estudam o corpo, seu movimento, sua força e sua função. Criadores de métodos e teorias diferentes sobre corpo e movimento,os quatro revelaram a mesma opinião de que o corpo feminino sofre, não raro, as conseqüências de duas palavras já institucionalizadas: jornada dupla. Em geral, os efeitos desse corpo travado vêm de uma rotina de ficar muito tempo sentada e das tensões do trabalho, da casa, do trânsito. Entre muitos estudos que se debruçam sobre os rumos do corpo, esses profissionais o estudam e pensam de forma sistemática e, sem serem impositivos, nos dão alguns caminhos para entendermos o que o corpo feminino carrega e suporta. Com diferentes visões, a seguir, eles falam de suas técnicas e de como o corpo, afinal, é integrado à vida, mesmo que, muitas vezes, pareça invisível.

Matéria publicada na Revista TPM, edição 66, junho de 2007.

Vivacidade do corpo

2007-07-11T12:18:00.000-07:00

Como bom artista, Ivaldo Bertazzo viu nos gestos cotidianos, estes que todos fazemos sem nos dar conta – pegar o açúcar, amarrar os sapatos, comer – um modo de dançar. É aparentemente simples, porque evidencia a capacidade humana de movimentar-se. Nessa ação elementar encontra-se a chave de seu longo projeto, mais de 30 anos, como profissional além dos palcos, o educador do movimento. Suas aulas recobram a necessidade de mudarmos constantemente de posição. “O corpo é submetido à gravidade e ele luta, até morrer, contra ela. Ele muda de forma o tempo todo porque a vertical suprema que atingiu é também sinônimo de enrijecimento. Ela só pode existir, essa soberba vertical, quando você está caminhando, é quando ela é plena. A partir daí, tudo é dor, cansaço e rigidez”, diz Ivaldo Bertazzo. Para comprovar, pense quando fica sentada mais de duas horas seguidas, as costas começam a doer, os ombros não encontram uma posição confortável, vai travando, criando tensões. Se o corpo não se mexe, endurece, fixa-se em posições estanques – o que não é natural. “O corpo precisa mudar de forma o dia inteiro: agachar, sentar, deitar, rolar no chão. Quem está fazendo isso diariamente como um mecanismo de sobrevivência?”. Com a falta de movimento, ele perde, pouco a pouco, a vivacidade. E, nós, segundo Ivaldo Bertazzo, somos muito mais do que um corpo. “Ele é um instrumento: de comunicação, de relação, de percepção, de sensação, de barato, de poder em alguns momentos.” E como instrumento tem sua objetividade, comemos, andamos, sentamos. Em um mundo cada vez mais ágil, rápido e digital, a mobilidade parece, cada dia, mais restrita. Passar o dia em frente ao computador ou em reunião hoje é a rotina das pessoas, inclusive a feminina. “O problema é hierárquico, estamos vivendo um esfacelamento das funções de cada um nesse período, então os corpos femininos correm de um lado para o outro para se adaptar. Há uma hiper solicitação”. De modo mais explicativo, as mulheres assumiram funções masculinas (muitos homens também começam a ter seus papéis revistos), o trabalho fora de casa, a provisão. Por outro lado, ainda são mães e organizadoras. “Tem que saber que ela sai desse papel masculino necessário na empresa e vira a mãe. E que é importante e natural chegar em casa e agachar, se adaptar ao filho pequeno – e não o contrário, fazer a criança se adaptar a ela porque não consegue mais dobrar a virilha. Sem “tirania”, Ivaldo Bertazzo ressalta que prestar atenção a pequenos atos pode mudar a vida. “No banho, por exemplo, sinta a água circulando na sua pele, e a sustentação do esqueleto, subindo em uma cama elástica e balançando o corpo”.

Publicada na revista TPM - edição 66, junho de 2007

Questões do corpo

2007-07-11T12:16:00.001-07:00

O nome da técnica, “balance alongamento”, pode, em um primeiro momento, assustar. Afinal, tanto tempo parado em uma cadeira faz com que, hoje, o alongamento seja coisa para corajosos. Quando Bianca Marinho, fisioterapeuta e autora do método ao lado da irmã, Jacqueline Santana Porto, explica, ele parece mais claro e menos doloroso: “Trabalhamos as articulações do corpo para que você possa utilizar o músculo sem restrição. É o condicionamento mais saudável possível.” As irmãs, conhecidas no Rio de Janeiro por fazer gente travada voltar a viver mais solta, chegaram a esse método, que combina fisioterapia, RPG, pilates e osteopatia (sistema que localiza e trata as restrições do movimento que atingem o corpo), ao observarem as lesões provocadas pelo esforço excessivo do corpo. Para Bianca, as maiores limitações do corpo feminino também esbarram na questão do “sair de casa para trabalhar”. Não que seja um problema em si o fato de ter uma profissão, mas ficar muito tempo na mesma posição, em geral sentada, prejudica a essência da nossa estrutura. “O corpo não é uma armação para ficar estática. Se ela fica muito em uma posição, começa a causar acomodações que podem levar a possíveis lesões.” Bianca vê de tudo nos atendimentos feitos em sala de aula ou particulares. Mas, hoje, as maiores travas femininas estão nas dores lombares. “Para ficar muito tempo sentada, é preciso uma força abdominal maior, para não comprometer a coluna”, diz. Mais graves, alguns casos chegam até elas com o joelho fora do eixo, pés que vão perdendo o arco. A falta de tempo e de hábito não ajuda para que essa inércia seja suprida. Mais do que colaborar para a flacidez, o que é verdade, segundo Bianca, ficar muito tempo sentado provoca uma restrição muscular que, por sua vez, vai restringir a ação. Ou, em outras palavras, os movimentos ficam mais difíceis, mais doloridos. A receita para melhorar a situação vai desde caminhadas simples, usar escadas, quando possível, eliminar o sedentarismo sem exageros, sem correr o risco de machucar-se.
(Publicado na revista TPM, edição 66, junho 2007)

Uma coisa de cada vez

2007-07-11T12:14:00.000-07:00

Em um dia comum, distraídos dos próprios movimentos, fazemos tudo no “piloto automático” e com pressa: falamos ao telefone, mandamos e-mails, entramos e saímos do carro. Muitas vezes, duas ou três ações são coordenadas ao mesmo tempo. Nessa afobação a que somos submetidos diariamente e sem conseguirmos fazer uma coisa de cada vez, não é difícil o corpo perder suas habilidades, ficar travado e, o que parece mais grave, começar a se privar de situações comuns, como subir e descer escadas. “As pessoas não têm ânimo para fazer alguns movimentos. Você fala, vamos fazer uma caminhada? O joelho e as articulações doem. Cada vez o movimento machuca mais e apresenta dificuldade para a pessoa. Ela sente dor, incômodo ou pouca habilidade e vai deixando de fazer, vai se privando pouco a pouco”, diz José Maria Carvalho, coreógrafo e diretor do Espaço Arte e Viver, em São Paulo, que usa o método Feldenkrais. Antes de seguir, é importante colocar que o método trabalha o movimento, não o corpo. De modo objetivo, ele busca maneiras de melhorar uma função como deitar, levantar. “O movimento parece que é aquilo que a gente mais sabe. Muitas vezes você sente alguma coisa e só vai ter certeza daquilo quando amplia e vira um movimento. A respiração se ofega, a musculatura se contrai”, diz José Maria. No que compete ao seu trabalho, ele ensina que é preciso fazer uma coisa de cada vez. Em um único exercício de feldenkrais, cada movimento tem começo, meio e fim. “Para viver em São Paulo (ou em outra cidade grande), você precisa fazer muitas coisas, mas é importante ter a capacidade de fazer uma de cada vez”, afirma. Para o coreógrafo, o acúmulo de várias ações é a principal causa das travas corpóreas. “Com o tempo, nosso corpo não consegue mais fazer bem aquelas funções que nasceu para fazer como levantar, sentar, andar.” Mais que isso, as dores despontam. Primeiro as dores nas costas, as mais comuns, segundo José Maria. Em estados um pouco mais complicados, as pessoas sentem incapacidade de agachar, porque não têm mais articulações nos quadris, ou sentem dificuldades para andar porque os joelhos estão deformados. “Depois, aparecem hérnias de disco, bicos de papagaio.” Nas suas aulas, ele conta, grande parte das pessoas chega pensando na boa forma e não no corpo como um instrumento funcional, que permite a elas ter qualidade de vida, com 20, 30, 40, 50 ou 90 anos. “Exercitar o corpo não nos dá funcionalidade, mobilidade, desenvolvimento, pode ser que sim e pode ser que não. Trabalhar o movimento funcional sim. Necessariamente traz um corpo bonito, capaz de realizar as funções nas várias idades da vida, com desenvoltura e leveza.”

Publicada na revista TPM - edição 66, junho de 2007

Necessidades e limites do corpo

2007-07-11T12:13:00.000-07:00

É de desgastar que, mesmo quando cansadas, ainda assim não conseguimos perder de vista o padrão “lindas, loiras e de batom”. A frase é da carioca Silvia Soter, professora que trabalha consciência corporal (ela também é bailarina e crítica de dança), por meio do método Ehrenfried. Essa situação em muito se deve à falta de reconhecimento do próprio corpo: é como se ele fosse um objeto estranho, que levamos para passear, correr, comer e, mais longe, moldamos sem parar. Existe, no seu entender, um desajuste entre o que vemos e o que esperamos para o corpo feminino. “Há uma exigência de padrão junto com uma insatisfação do corpo para fora, da imagem”, diz. Não por acaso, as cirurgias plásticas são tão procuradas. Outra questão importante, a preocupação com a aparência também machuca fisicamente algumas mulheres. Na observação de Silvia Soter, muitas chegam com problemas físicos devido ao exagero, à falta de limite na hora de malhar. Em outra situação limite, o sedentarismo é outro vilão do corpo. “Muitas profissionais vivem do carro para o elevador, do elevador para o carro. Entram no escritório, digitam o dia inteiro, são supersolicitadas no trabalho, em casa precisam organizar a vida dos filhos ou só a dela”. Não é difícil prever a tensão desse corpo, com dores nas costas, nos quadris, nos joelhos. A solução proposta por ela está em buscar movimentos que potencializem a capacidade da mulher em cada etapa da vida. “Quando a mulher consegue habitar o próprio corpo de uma forma melhor, a insatisfação fica mais relativa”, diz, lembrando que ela usa a respiração para ajudar a organizar o movimento. “Muitas pessoas chegam aqui dizendo que querem corrigir a postura. Mas é importante entender que, em uma única pessoa, a boa postura se harmoniza com a necessidade da vida”. Ou seja, o corpo precisa de flexibilidade para viver as emoções. Em suas aulas, em média, a variedade de idade das mulheres oscila entre 13 a 80 anos – por curiosidade esta é também a condição dos outros entrevistados. “Eu sinto, como primeira questão, que elas querem se adaptar às necessidades e limites da idade. Eu ajudo fortalecendo as potências de cada uma. Envelhecer não é perder, é preciso aprender a usar melhor a capacidade do corpo nas diferentes fases da vida”.

Publicada na revista TPM - edição 66, junho de 2007

Sábado no municipal

2007-07-02T12:59:00.000-07:00

Fui ver o novo espetáculo de Célia Gouvêa, Corpo Incrustrado, na escadaria do Teatro Municipal, no último sábado, dia 02 de julho. Desde o início do meu mestrado* (defendido em junho passado), estava rondando seus trabalhos. Como na década de 1970, seu despertar como coreógrafa, Corpo Incrustrado incorpora à dança outras artes; nesse caso, o teatro e a música.
Célia tem a capacidade de realmente integrar um ao outro, sem soar colagem, e faz do edifício, presente na imaginação e na cidade, e de sua arquitetura pontos de partida para a peça.
No começo, no segundo andar do prédio, um grupo de cinco atores, vestidos à moda de um teatro dell´arte, ocupam as sacadas em poses reais. No meio, um saxofonista, que manterá o som de todo o espetáculo. Os bailarinos surgem pela entrada principal, todos em branco e preto, e ocupam o desenho da frente do teatro.
A montagem não foge de sua concepção, ocupar o lugar, dar vida ao que parece localizado em um tempo distante. Os 14 bailarinos dançam nas escadas, muretas, postes, portas, monumentos, em plena luz do dia, com tudo acontecendo ao lado, o comércio, a música, o passeio. Eles vão se misturando em grupos pequenos, trios, duetos, solos, com muitas cenas simultâneas. Um novo tempo para Célia Gouvêa.

* Mestrado defendido na Puc-SP - A crítica e a dança - uma análise de suas relações na cidade de São Paulo

2007-05-18T17:01:00.000-07:00

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